miércoles, 20 de noviembre de 2024
Minnewater: el Lago del amor de Brujas | La Gracia de Viajar
Minnewater: el Lago del amor de Brujas | La Gracia de Viajar
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Espejo de bruja: las primitivas "webcams de vigilancia" que tenían los ricos y burgueses en casa para que no les robaran
Espejo de bruja: las primitivas "webcams de vigilancia" que tenían los ricos y burgueses en casa para que no les robaran
Su fascinante
diseño atrajo a mercaderes, maravilló a los pintores por su potencial y alentó
supersticiones.
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23 Mayo 2024
Carlos Prego
2237 publicaciones de
Carlos Prego
"El diablo está en los detalles", reza el aforismo. Si buscas una imagen de 'El matrimonio Arnolfini', la celebérrima obra
de Jan van Eyck expuesta en la National Gallery de Londres, y la examinas con atención lo que encontrarás en sus
detalles no es el diablo, sino un "ojo de bruja". Tal vez nunca te
hayas fijado hasta ahora. O tal vez sí. El caso es que uno de los elementos
centrales de la composición, no por tamaño, pero sí desde luego por ubicación y
la relevancia que le quiso conferir el propio maestro flamenco, es una pieza
denominada así: "ojo de bruja", aunque también suele
denominarse "espejo de bruja" o "espejo de banquero".
Y lo más
importante: aunque la obra de Jan van Eyck data de la primera mitad del siglo
XV, a su modo pueden considerarse primitivas cámaras de vigilancia.
¿Espejo de
bruja? Así es. El nombre tiene resonancias a película clásica de Disney o
relato de los hermanos Grimm, pero la realidad es menos fantasiosa… y mucho más
fascinante. Lo que en su día se denominaba "espejo de bruja",
"ojo de bruja" o "espejo de banquero" es en realidad un
pequeño espejo circular y convexo cuyos orígenes suelen situarse en el norte de Europa, en el siglo XV, el mismo en
el que van Eyck pintó su obra. En su retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa
él lo situó justo en el centro de la estancia, entre ambos miembros de la
pareja. Y su peculiar diseño le permitió alardear de su habilidad con los
pinceles.
Detalle de "Retrato de Giovanni Arnolfini y su
esposa", del pintor Jan van Eyck.
¿Y por qué ese
nombre? Precisamente por las mismas cualidades que lo hicieron tan
atractivo para Jan van Eyck: por su peculiar forma, curva y con un espejo
convexo. Su diseño le confería una cualidad valiosa y que pronto supieron
apreciar los comerciantes que recibían a clientes interesados en su mercancía.
La forma del espejo les permitía seguir los movimientos de las visitas con
discreción, por el rabillo del ojo, sin necesidad de asomarse, levantar la
cabeza o inclinarse hacia adelante para asegurarse de que nadie hurtaba sus
mercancías.
El espejo les
ofrecía un buen rango de visión. La clave estaba en colocarlo en el lugar
adecuado, uno desde el que pudiera ver reflejado buena parte de la estancia.
Nada más. Tanto éxito debió de tener entre los burgueses acaudalados que, como
recuerda Anne-Lise Carlo en Le Monde, el primer nombre que
recibió fue "espejo de banquero". Allí donde había dinero, metales
preciosos, joyas o cualquier otro género valioso su diseño resultaba una
ventaja, igual que las cámaras CCTV.
Detalle de "El cambista y su mujer", de
Quentin Massys, con el espejo en primer plano.
Y llegó la
superstición. Con el tiempo aquellas piezas elegantes y bien diseñadas adoptaron
otros nombres, con resonancias exóticas, como "espejo de bruja" o
incluso el mucho más poético "ojo de bruja". El cambio se explica en
gran parte por la superstición. Se dice que los sirvientes de las casas
burguesas miraban con recelo aquellos pequeños espejos curvos y de vidrio
abombado que permitían a sus patrones mirar allí donde aparentemente no debía
alcanzar su vista.
Del mito queda
básicamente eso, el mito, pero es bastante elocuente: había quien temía que los
"ojos de bruja" espiasen todo el tiempo e incluso quien creía que
eran algo más que decoración y les atribuía cualidades mágicas. Además de
ampliar el rango de visión de los espectadores, los espejos ayudaban a difundir
la luz por las estancias y servían también para iluminar los recovecos oscuros
del hogar.
De decoración a
moda vintage. Su historia no se limitó al siglo XV y los hogares burgueses. Lo del
espejo convexo gustó lo suficiente como para que el diseño siguiese
evolucionando y retocándose. Así se llegó, ya bien entrado el siglo XX, al
"espejo de sol", o "miroir soleil", que era el
nombre con el que se conocían los modelos decorados con marcos dorados en la
Francia de la década de 1940.
Otro de sus
herederos más populares, recuerda también Le Monde, son los chaty vallauris, inconfundibles por su
diseño y que ideó el decorador y herrero Gilbert
Poillerat. Los "espejos de bruja" siguen siendo aún
hoy piezas populares.
'Un orfebre en su taller', obra de Petrus Christus.
Apreciado por los
artistas. Quizás los mercaderes los apreciasen, pero si hay un colectivo que
supo sacar partido de su peculiar diseño fue el de los pintores. Jan van Eyck
es un buen ejemplo. En su retrato de los Arnolfini, de 1434,
juega con su reflejo, luz y ángulos. Pero hay más. Petrus Christus lo incluyó
en 'Un orfebre en su taller', obra datada en 1449; y Quentin Massys en otra
pintura igual de reconocida, 'El cambista y su mujer', de 1514. Massys situó el
espejo sobre la mesa, en primer plano, y su reflejo nos muestra una ventana
situada fuera de la escena pintada.
¿Un antepasado de
las cámaras? Su uso y popularidad ha llevado a algunos a ver en estos espejos convexos
un antepasado remoto de las cámaras de seguridad. "La característica
especial de los espejos convexos permite a sus dueños ver una habitación
entera. Todo sin tener que cambiar de posición ni girarse. Por eso se
utilizaban sobre todo para la vigilancia. Solían colocarse en lugares donde hoy
se encuentran la mayoría de las cámaras de vigilancia, es decir, en bancos y
tiendas; de ahí el nombre de 'espejo de banquero'", relata la galería francesa Atena.
No son los únicos
que señalan ese vínculo y encuentran similitudes con las modernas
cámaras de ojo de pez, aun cuando las primeras videocámaras para vigilancia no
se inventaron hasta bien entrado el siglo XX y la webcam como tal, aunque con
un funcionamiento primitivo, no llegó hasta hace apenas 30 años.
Imágenes | Wikipedia 1, 2 y 3
martes, 19 de noviembre de 2024
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sábado, 16 de noviembre de 2024
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Música y agua, ser conscientes desde el sonido (a través de Debussy, por ejemplo)
Música y agua, ser conscientes desde el sonido (a través de Debussy, por
ejemplo)
Acercamientos a la
música
|
Recibimos el Día Mundial del Agua en medio de una
escasez que nos obliga a replantearnos la forma en la que nos relacionamos con
ella en nuestra vida diaria.
Debemos experimentar con nuevas dinámicas para
bañarnos, limpiar dientes y lavar platos. Te invitamos a acompañar estos
procesos con música. Con música orquestal inspirada en el agua. Específicamente
con música orquestal que nos remite al agua en uno de sus estados más plenos:
la poética oceánica.
De entrada, tres ideas marítimas:
- La mar, de
Claude Debussy
- Una sinfonía del mar, de Vaughan Williams
- Poema del amor y del mar, de Ernest Chausson
Y aquí estos versos de José Gorostiza como
acompañamiento ideal:
“El mar, el mar, dentro de mí lo siento. Ya sólo de
pensar en él, tan mío, tiene un sabor a sal mi pensamiento”.
El mar (1905) de Claude
Debussy (1862-1918)
“El mar es un niño, juega y no sabe bien lo que
hace. Tiene una larga y hermosa cabellera, y un alma… Va y viene y cambia sin
cesar. El mar ha sido muy amable conmigo.Se me ha mostrado bajo todas sus
formas. Por eso estoy aún completamente aturdido”, escribió Debussy al
dramaturgo René Peter. Y, sin embargo, Debussy siempre vivió lejos del mar.
Quizá de ahí provenga cierto fondo nostálgico que atraviesa su famoso poema
sinfónico, que escribió en 1905 entre montañas, varios kilómetros alejado del
agua.
De hecho, más adelante en esa misma carta se
confiesa más cercano al bosque que a las olas:
“Los árboles son buenos amigos míos, mejores que el
mar, que se agita, salta sobre la tierra y muerde las rocas con cóleras de
jovencita, curiosas en una persona de su importancia. En rigor, se comprendería
mejor que sacudiese a los barcos como a gusanos molestos. Los árboles, menos
caprichosos, se renuevan a pesar de los siglos. ¿No es ésta la más hermosa
lección de filosofía? Podrían seguirla los humanos, si fueran más pacientes y,
sobre todo, si no fueran tan ávidos”.
Debussy compuso El mar sobre
todo por las noches y rodeado de tonalidades verdes: paredes verde botella,
alfombra verde claro, muebles verde azulado y vestido con una chaqueta verde
aceituna.
Esta obsesión con el color resulta trascendente
para explicar El mar, obra maestra del llamado Impresionismo musical,
cuya estética tiene un marcado influjo pictórico.
¿Por qué El mar de
Debussy se considera música impresionista?
Los pintores impresionistas buscaban nuevas formas
de balance y belleza a través de la experimentación con la luz. Debussy
consideraba que la música podía hacer eso de una manera más plena e intensa que
la pintura, como lo demuestra este fragmento de una carta que le escribió a su
hijastro Raoul Bardac:
“Esto puede ser posible gracias a la ventaja que
tiene la música sobre la pintura, en el sentido en que puede mostrar a la vez
todos los cambios de luz y color”.
Y El mar es un ejemplo ideal de
música que avanza a través de variaciones lumínicas y cromáticas.
Debussy estructura la obra en tres movimientos y a
cada uno le asigna un subtítulo:
- Del alba al mediodía en el mar
- Juegos de olas
- Diálogo entre viento y mar
En una primera audición es posible recrear en los
acontecimientos sonoros las imágenes que producen las palabras.
¿Cómo transcurren los humores de la mañana en el
mar?, ¿de qué manera cambian conforme el tiempo avanza?, ¿a qué suena el agua
durante las primeras claridades y cómo van ocurriendo sus transformaciones
mientras el sol por el cielo escala? ¿Los juegos de las olas son suaves,
asimétricos, constantes? ¿Antes de disolverse en la orilla en sus lúdicas
interacciones intervienen otras presencias, como conchas, arena o pequeñas
piedras? ¿Qué le dice el viento al mar y el mar qué le responde? ¿Su diálogo
transita por etapas diversas, a veces es armónico y otras violento?
Pero El mar va más allá de
cualquier narración. Su vocación no es hacia un programa literario, sino hacia
el color. Así que la segunda audición puede profundizar: dejar de atender a la
actividad o al movimiento y centrar la atención en los matices y las
suavidades, en las sutiles variaciones de luz, sombras y reflejos, al mundo
quieto de la luz, a la polifonía de las partículas cromáticas que cambian,
colisionan y desaparecen sin hacer ruido.
¿Y cómo consigue Debussy que su
música sirva a la luz?
Sobre los sorprendentes procedimientos compositivos
que Debussy utiliza en El mar, el compositor mexicano Mario Lavista
(1943-2021) explica en su ensayo “El mar cumple 100 años” (publicado el 30 de
noviembre de 2005 en la revista Letras libres):
“(…) en Debussy los acordes casi nunca se encadenan
obedeciendo a la retórica tradicional, los suyos son acordes ingrávidos que,
valga la expresión, flotan sobre las aguas, sin ninguna necesidad de causa y
efecto que los obligue a ir a un determinado lugar: son acordes que vagan
libremente (…) la manera como Debussy maneja sus temas lo acerca al modo de
operar de Claude Monet cuando pinta, a través de varios cuadros, la cambiante
luz que incide sobre una catedral a diferentes horas del día. En Del
alba al mediodía en el mar, los cornos enuncian el mismo tema, el mismo
objeto sonoro, sin cambio alguno en su fisonomía. Lo que varía en cada una de
sus apariciones es la orquestación; es decir, las sutiles gradaciones del color
y de la luz que lo rodean e iluminan. En su invariabilidad y unicidad, el tema
cantado por los cornos cambia de rostro gracias a las diferentes e inusuales
combinaciones orquestales de luz y sombra que inciden sobre él: es el color el
que modifica su apariencia. De ahí que la música del primer movimiento
transite, a través de evanescencias y luminosidades, de una casi imperceptible
bruma sonora al metálico estallido del sol, o que en Juego de olas escuchemos
las más delicadas y exactas progresiones de color, de brillos, de reflejos, de
una ola en movimiento. Debussy capta, por medio de finas e infalibles
pinceladas, el claroscuro de este mar siempre cambiante.”.
¿Qué otras obras musicales inspiradas
en el mar puedo escuchar?
Te recomendamos dos:
- Una sinfonía del mar (1909 y revisada en 1923) para soprano,
barítono, coro y orquesta de Ralph Vaughan Williams (1872-2958), basada en
el poemario Hojas de hierba de Walt Whitman, en donde el
océano adquiere una palpitante dimensión mística.
- Poema del amor y del mar (1890) para voz y orquesta de Ernest
Chausson (1855-1899), basada en dos poemas de Mauricio Bouchor que narran
cómo un hombre se enamora de una mujer al lado del mar. Al año siguiente
él regresa a la misma playa para descubrir que ella lo ha olvidado.
Debussy, el compositor que no sabía nadar y compuso «El mar»
Debussy, el compositor que no sabía nadar y compuso
«El mar»
Forbes
Nautik inaugura una serie de artículos sobre composiciones inspiradas en el
mar. Aquí, la primera entrega
POR JESÚS RODRÍGUEZ LENIN3 DE AGOSTO DE 2022
El último viaje del
«Temerario». Cuadro de J. M. W. Turner
La naturaleza y sus elementos han sido notable
fuente de inspiración para compositores de todas las épocas y no ha sido extraño,
incluso, en las últimas décadas, que sus sonidos se hayan incorporado a las
propias obras. El mar, en concreto, es capaz de provocar miedo y asombro, y
maravillar con una belleza que inspira a los más dotados de sensibilidad. En
Forbes Nautik le vamos a rendir homenaje cada quince días, con una serie
de artículos sobre las más destacadas obras de música, tanto clásica como
contemporánea, que se han inspirado en su belleza y grandiosidad.
Debussy: “El mar”
La serie debía empezar obligatoriamente por la obra
titulada El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta, pero
conocida simple y popularmente como El mar (La mer, en
francés). El mar es una de las obras fundamentales del siglo
XX, compuesta por uno de los compositores más innovadores de la historia, Claude
Debussy, de quien este verano se celebra el centésimo sexagésimo aniversario de
su nacimiento (Saint-Germain-en-Laye, 22 de agosto de 1862-París, 25 de marzo
de 1918).
Nacido en el seno de una familia de pequeños
comerciantes y sin especial relación con la cultura, el joven Claude dio
muestras tempranas de su gran e innovador talento musical, y ha pasado a la
historia como el primer impresionista. Cuestionado por el establishment de
la época, su estilo vanguardista ejerció una notable influencia en las
generaciones posteriores. El mar es una obra de madurez,
compuesta en Dieppe, en la costa normanda, entre 1903 y 1905, aunque se
concluyó durante la estancia de Debussy en la localidad costera británica de
Eastbourne.
En su estreno en París –ocurrido el 15 de octubre
de 1905, a cargo de la orquesta Lamoureux dirigida por Camille Chevillard– ni
que decir tiene no fue muy bien recibida; sin embargo, con el paso del tiempo,
se ha convertido en una de las composiciones orquestales de Debussy más
interpretadas. Aunque Debussy no admitía el calificativo de “impresionista”
para su música, los expertos consideran La mer un equivalente
musical de las obras pictóricas de Turner –del que Debussy era gran
admirador–, envueltas en bruma, que exigen del espectador que vea más allá de
la neblina.
Debussy, aunque no sabía nadar, amaba el mar y
llegó a afirmar que de no haber sido músico se habría hecho marinero. Para la
elaboración de La mer, Debussy pagó al capitán de un barco
pesquero para adentrarse con él en una tormenta frente a la costa de
Bretaña: al igual que Turner antes que él, el compositor quería experimentar la
violencia del mar antes de representarla, pero la experiencia le hizo abandonar
para siempre las ansias de aventura y preferir los paisajes marinos mostrados a
través de la pintura y la literatura.
Para mostrar la grandiosidad de la inmensidad
marina, Debussy incorporó en esta obra sinfónica –aunque Debussy, por motivos
intelectuales (consideraba obsoleta la sinfonía clásica) no quiso concederle
ese título y bautizó la obra como “tres bocetos sinfónicos”– de entre
veintitrés y veinticinco minutos de duración, grandes masas orquestales y una
sección de percusión. Los tres movimientos –“Del amanecer al mediodía en el
mar”, “Juego de las olas” y “Diálogo del viento y el mar”– se elaboran con armonías
resplandecientes y amplios barridos de color orquestal, resaltados con la
influencia del gamelán javanés.
En el primer movimiento, Debussy explora los
sutiles cambios de atmósfera y luminosidad del mar, acompañados por el avance
de la mañana sobre el agua. La primera parte es un crescendo que muestra el
ascenso del día. Se apoya en un movimiento cíclico de cuerdas y flautas que
simbolizan el flujo y reflujo de las olas. Le sigue un canto de 16
violonchelos que muestra un mar más tranquilo interrumpido por una flauta
que dibuja el vuelo de un pájaro. El primer movimiento termina con un fondo de
címbalos que recuerda el estruendo de las olas.
En el segundo movimiento Debussy sugiere el vaivén
de las olas, los cambios inesperados de la corriente, la iridiscencia de la luz
del sol en la superficie del agua y las misteriosas profundidades. Finalmente,
los tonos oscuros y amenazantes del tercer movimiento dan la
sensación de los peligros del mar. En la primera parte del movimiento la
orquesta sube y baja como los movimientos del oleaje. La segunda parte es un
periodo de calma antes de que en la parte final vuelva la tormenta hasta
convertir el flujo de las olas en un auténtico maremoto.
Son muchas las versiones que existen de La
mer. Muchos de los más grandes directores de orquesta de los últimos ciento
veinte años –desde Toscanini a Esa-Pekka Salonen, pasando por Karajan,
Bernstein, Celibidache, Boulez, Abbado, Baremboin o Simon Rattle– han grabado
la obra, varios de ellos hasta varias veces. Pero, barriendo para casa, desde
aquí queremos recomendar dos: una de las más recientes, la de nuestro Pablo
Heras-Casado dirigiendo en 2018 a la orquesta londinense Philharmonia, y otra,
de 2007, con Sir Mark Elder al frente de la orquesta Hallé de Mánchester.
Próxima
entrega: Einstein on the Beach, de Philip Glass.
https://nautikmagazine.es/bitacora/debussy-el-compositor-que-no-sabia-nadar-y-compuso-el-mar/
miércoles, 13 de noviembre de 2024
martes, 12 de noviembre de 2024
lunes, 11 de noviembre de 2024
domingo, 10 de noviembre de 2024
Ni de Eva ni de Adán Amélie Nothomb
| ISBN | 978-84-339-7501-0 |
| EAN | 9788433975010 |
| PVP CON IVA | 15.00 € |
| NÚM. DE PÁGINAS | 176 |
| COLECCIÓN | Panorama de narrativas |
| CÓDIGO | PN 719 |
| TRADUCCIÓN | Sergi Pàmies |
| PUBLICACIÓN | 01/02/2009 |
| OTRAS EDICIONES | Compactos (CM 525) |
Ni de Eva ni de Adán
Un año antes de la temporada infernal en una empresa nipona vivida en Estupor y temblores, Amélie Nothomb se sube en Tokio a la montaña rusa de una hilarante educación sentimental en brazos del muy delgado y muy oriental Rinri, un ávido lector de Stendhal que sueña con entrar en la orden del Temple. Amélie, decidida a aprender japonés enseñando francés a los autóctonos, conoce a Rinri en un bar. Pero, pocos días después, la relación entre maestra y alumno dará paso a una hermosa historia de amor. La primera noche de pasión se inicia con un cómico episodio en que profesora y alumno comparten una insípida imitación japonesa de la célebre fondue de queso francesa; le seguirán un viaje a Hiroshima y la lectura in situ de Hiroshima mon amour, un libro que Rinri detesta y no logra comprender, y el ascenso al monte Fuji, en el que la belga es poseída por el espíritu de la montaña.
Éstos son sólo algunos de los episodios que nos sitúan, una vez más, ante una rica y peculiar visión de Japón, la de alguien nacido allí pero cuyos orígenes son occidentales. La percepción de la alteridad de la cultura japonesa cobra en el libro los más variopintos matices. La relación de Amélie con Rinri se reviste de un barniz proustiano en una comida.con los amigos de su amante en la que un okonomiyaki la catapulta a los sabores de su infancia. Y Nothomb también analiza sus experiencias desde una perspectiva casi antropológica, nunca exenta de ironía, en las reflexiones sobre la educación de los japoneses, o cuando la joven es examinada por los abuelos de Rinri, a quienes su mera presencia hace tronchar de risa.
Cuando Amélie Nothomb se adentra en el terreno de lo biográfico jamás defrauda. Así sucedió con Estupor y temblores, Metafísica de los tubos y El sabotaje amoroso y sucede de nuevo con Ni de Eva ni de Adán. Tan ácida y desternillante como la primera, la segunda incursión japonesa de la escritora belga se lee con gran placer desde la primera hasta la última línea. La diversión está asegurada, pero también la ternura e incluso la melancolía... , porque cuando Nothomb escribe en primera persona fascina, divierte, hace pensar y hace reír.
«"Si te sientes morir, parte; si sufres, huye. No hay más ley que el movimiento." La narradora opta por la fuga. Para ser libre y escribir hasta saciarse. Los lectores de Amélie no se quejarán ante tan espléndida cosecha Nothomb» (Marianne Payot, L'Express).
«Sus lacónicas ficciones autobiográficas han colocado a Amélie Nothomb en lo más alto de la escalera de la literatura francesa. La suya siempre es una literatura de la alienación, pero su escritura le ha demostrado que ella no está sola» (Richard Lea, The Guardian).
«Los instantes de gracia son legión en esta novela decididamente lograda. "No por casualidad he escrito una historia en la que nadie desea masacrar a nadie", reconoce Amélie Nothomb. Para nosotros ha sido una muy grata sorpresa» (Delphine Peras, Lire).
«Tras el sensual aroma del jengibre y los tonos agridulces de este relato de iniciación, descubrimos la novela más íntima de Amélie Nothomb, esta escritora definitivamente atípica» (Christine Rousseau, Le Monde).
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