Traducción del texto « Pour un Nouveau Cinéma », de Alain Robbe-Grillet, publicado en Le voyageur, Paris, Christian Bourgois, 2001, pp. 204-214.
¿Alguna vez has tenido que fotografiar una obra de arte? Puede parecer simple, pero es más complicado de lo que parece. A veces, hay que superar algunos obstáculos de carácter técnico. Por ejemplo, lograr una exposición uniforme, evitar los reflejos (sobre todo si la obra está protegida por un cristal), enfocar con precisión o ser capaz de elegir la apertura perfecta del objetivo para preservar la nitidez de la obra de una pintura, dibujo o grabado.
Cuando fotografías obras de arte, deberás decidir si quieres conservar el color de la obra como lo ves o hacer que los blancos sean blancos. Recuerda que el papel y la pintura tienden a perder su color original con el tiempo. Así que has de decidir si quieres copiar lo que ves o intentar captar el color original de la obra cuando fue terminada.
Para esto, tienes estas opciones:
Y no hay que olvidar que la fuente de luz afectará el proceso de balance de blancos. Es, por eso, que hay que evitar las luces mixtas. En los museos, a menudo no encontrarás pinturas bajo fuentes de luz mixtas, pero no ocurre lo mismo con las esculturas. Una mezcla de luz artificial cálida y luz de ventana puede causar fuertes tintes de color naranja o azul en partes de la imagen final, que pueden ser difíciles de manejar en el procesamiento posterior.
Como ya sabes, la luz del día es excelente para mostrar los colores del espectro visible con poco sesgo. Es ideal para el arte. El problema es que no se puede controlar. Si utilizas la luz de la ventana para fotografiar una obra de arte, es probable que la exposición sea desigual.
Por supuesto, se puede equilibrar la exposición en el posprocesamiento. Haz una foto con una tarjeta en blanco o un trozo de papel blanco bajo la misma luz; el resultado hará que la exposición desigual sea obvia cuando se vea en la computadora.
Luego puedes usar lo que ve para corregir sus otras fotos desde la misma ubicación. Una vez que identifiques las inconsistencias de exposición, usa los pinceles de ajuste o los filtros para corregir estos problemas de iluminación.
Al fotografiar una obra de arte en 2D, deberás colocarla plana contra una pared o una mesa. Luego debes alinear el sensor de la cámara perfectamente con el plano 2D de la obra.
Si no disparas con una cámara perfectamente nivelada hacia una obra de arte perfectamente nivelada; podrás corregir la perspectiva en el software de edición, pero perderás algo de nitidez en el proceso. Por lo tanto, la solución es hacer la tarea lo mejor posible mientras se trabaja en el terreno y solo hacer correcciones menores más adelante.
Puede fotografiar obras de arte con cualquier cámara, pero es importante elegir una lente con una distorsión mínima y una óptica excelente. También sería deseable contar con una lente que pueda usar a corta distancia sin problemas. Sería aconsejable una lente principal de 50 mm o de 100 mm, que tengan capacidad de enfoque cercano. También sería conveniente una lente de 24-40 mm.
El arte bidimensional no requiere demasiada profundidad de campo, así que no tienes por qué emplear una apertura pequeña.
La forma más precisa de enfocar el arte es instalar la cámara en un trípode y usar el modo Live View, mientras enfocas manualmente. Si la nitidez no es muy clara, merece la pena cambiar la lente a modo de enfoque manual, activar el live view y ya acercar y enfocar con cuidado mirando a través de la pantalla LCD de la cámara.
Te será de mucha ayuda a la hora de sacar fotografías de estatuas. Aunque si solo tomas fotos casuales, siéntate libre de enfocar (manual o automáticamente) a través del visor y deje que una gran profundidad de campo se encargue de cualquier error menor.
A veces las obras como las pinturas o esculturas están detrás de un vidrio. Esto hará que encuentres reflejos que no dejen ver bien la obra fotografiada. Para evitar o minimizar los reflejos puedes probar a:
Si lo que buscas es capturar la textura de una obra de arte (por ejemplo, una pintura al óleo), lo último que deseas es una fuente de luz difusa como una bombilla fluorescente. Lo que necesitas es una fuente de luz direccional que esté colocada a un lado.
En las pinturas al óleo, revelar la textura generalmente significa que algo de luz se reflejará en la lente, lo que puede distraer. Se trata de controlar el efecto para que los reflejos espectrales no arruinen la imagen. Un filtro polarizador ayudará siempre que no aumentes demasiado el tiempo de exposición. También puedes controlar la iluminación artificial difusa o la iluminación flash con modificadores, como snoots.
Aprovecha tus viajes o las esculturas de tu ciudad para empezar a practicar la fotografía de obras de arte.
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La radio es uno de los medios de comunicación que mejor ha sabido sobrellevar la crisis y es que cuenta con unas características propias que la hacen diferente a los demás. Hoy vamos a ver las principales así como las funciones que nos transmite la radio día a día.
En narración audiovisual, el sonido puede analizarse en dos categorías:
Hablamos de sonido diegético cuando la fuente de sonido se halla en el espacio fílmico, es decir, pertenece a la historia. La principal exigencia del sonido diegético es la de ser realista y coherente con el espacio dramático. La voz de los personajes, la música de una radio, el sonido de una puerta, etc. son sonidos diegéticos. En cambio, el sonido no diegético no pertenece al espacio fímico, es decir, no concierne a la historia. La banda sonora y la voz de un narrador son claros ejemplos de sonido no diegético.
En general, el sonido diegético es aquel sonido que perciben los personajes; y el no diegético es aquel que no es percibido. Sin embargo, según Chion, existe el sonido diegético subjetivo que corresponde a lo que imaginan y oyen interiormente los personajes, es la voz interior. Debemos entender que, aunque no es percibido por el resto de personajes, sí que lo es por el personaje que piensa.
Si bien el sonido extradiegético suele utilizarse como recurso dramático, algunos directores como Gus Van Sant utilizan justamente el sonido diegético para acentuar el dramatismo y la tensión. Un claro ejemplo es el Elephant (2003), donde el sonido diegético domina todo el relato. Incluso, el momento anterior a la matanza, la música que escuchamos proviene del piano de uno de los personajes principales.
No olvidemos tampoco a uno de los directores europeos más controvertidos, Lars von Trier. En su film Los idiotas (1998), y en coherencia con las “normas” establecidas en Dogma 95, el sonido diegético tiene una enorme importancia. Por una parte, este sonido acentúa el realismo de la historia -de nuevo en consonancia con Dogma 95-; por otra parte, subraya el dramatismo del relato.
https://www.cpaonline.es/blog/cine-y-tv/sonido-diegetico-extradiegetico-i/
Quizá hayas escuchado hablar del raccord o de la continuidad en el cine.Pero, ¿sabes lo que es realmente? Para empezar, tenemos que señalar que el tener en cuenta la continuidad no es un elemento exclusivo del montaje cinematográfico. De hecho, cuando se habla de producción de video, cine, teatro o cualquier otra producción audiovisual, hay varios aspectos y técnicas a considerar. Una de estas técnicas es el raccord.
Buscando una definición
El raccord es una técnica que asegura la coherencia en el cambio de un plano a otro. Es decir, es un elemento de enlace creíble mediante efectos visuales, sonoros o de lenguaje, que dan continuidad a la narrativa. Casi ninguna producción de video resulta de un solo plano o un movimiento continuo. Es necesario crear una narrativa a partir de varias partes que deben estar conectadas entre sí. Incluso en el teatro, los pequeños aspectos, como la zona de entrada y salida de un actor, deben ser coherentes para que se produzca una producción.
Los racords se dividen en las 4 áreas principales de una producción audiovisual:
Este se da entre dos planos que cubren la misma acción. Si un personaje, por ejemplo,comienza a abrir una puerta en un plano, habrá que continuar con esta acción en el plano siguiente en el punto exacto en el que se dejó. De lo contrario, la escena no transcurrirá con fluidez porque habrá un salto perceptible en la continuidad.
Hay que prestar atención al movimiento de los actores. Así si uno de los actores se mueve de derecha a izquierda en el primer plano, en el plano siguiente se espera que se mueva en la misma dirección, de otra forma causaría una percepción extraña en el espectador. Fíjate en el periódico de Richard Gere en esta escena de “Pretty Woman”.
Es importante también tener en cuenta hacia donde mira un actor. Esto quiere decir que, si un actor mira hacia la izquierda en un plano, en el siguiente ha de mirar hacia el mismo lado. Es similar al raccord de movimiento, ¿verdad?
En el siguiente vídeo entenderás mejor a qué nos estamos refiriendo, ya que se ven muy claros los saltos que se produce a la hora de poder seguir la conversación entre las dos amigas.
Consiste en que los elementos fijos (como pueden ser muebles, cuadros, accesorios, colores, vestuario, etc.) mantengan en la misma posición entre un plano y el anterior. Este tipo de continuidad es donde los espectadores se dan cuenta de los diferentes gazapos o fallos en las películas. Debemos tener en cuenta que las películas no se ruedan en el mismo orden en el que se va a ver en el montaje final de la película. A veces, incluso los directores deciden empezar a rodar por la última escena de la película.
Es importante tener en cuenta elementos como la luz de la escena, la fase del día y la posición del sol, el objetivo, la apertura del diafragma, entre otros. Aunque esas diferencias de luz suelen intentar corregirse en postproducción con el fin de dar una unidad visual a la escena.
Hacen referencia a la continuidad de elementos como los niveles de ruido ambiental y el ruido producido por otros elementos: lluvia, viento, etc.
¿Cuándo realizas un montaje de vídeo tienes en cuenta que este tenga continuidad?
