jueves, 29 de septiembre de 2022
miércoles, 28 de septiembre de 2022
De Eos a la eosina
Douris Eos sostiene el cuerpo de su hijo Memnon (490-480 a.C.) Cerámica ática de figuras rojas Museo del Louvre. París. |
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| Eos representada en un cuadro titulado La Aurora (1881), del pintor francés William-Adolphe Bouguereau. |
Según la el mito, Eos salía cada día de su morada, en medio del océano que rodeaba al mundo, para anunciar la aparición de su hermano Helios, el Sol. Su misión era abrir las puertas del cielo para permitir que Helios saliera conduciendo su carro solar para recorrer el firmamento, durante el día.
En la Odisea se alude a ella como rhododáctila (ῥοδοδάκτυλος) "la de los dedos rosados", en referencia a las digitaciones rosadas que a veces pueden verse surcando el cielo al alba, antes de la salida del sol, y que sugerían la apertura de la puerta celestial por la mano de Eos.
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| Eos en su carro volando sobre el mar, crátera de figuras rojas. Procede del sur de Italia, 430–420 a. C. |
martes, 27 de septiembre de 2022
Estilo severo
Estilo severo
El estilo Severo , o estilo Clásico Temprano , [1] fue el idioma dominante de la escultura griega en el período ca. 490 a 450 a. Marca la ruptura de las formas canónicas del arte arcaico y la transición al vocabulario y la expresión muy ampliados del momento clásico de finales del siglo V. Era un estilo internacional que se encuentra en muchas ciudades del mundo helénico y en una variedad de medios que incluyen: escultura de bronce en redondo , estelas y relieves arquitectónicos . El estilo quizás realizó su mayor realización en las metopas del Templo de Zeus , Olimpia.
El término estilo severo fue acuñado por primera vez por Gustav Kramer en su Über den Styl und die Herkunft der bemahlten griechischen Thongefäße ("Sobre el estilo y los orígenes de la cerámica griega pintada", 1837, Berlín) en referencia a la primera generación de jarrones de figuras rojas. pintores; desde el estudio de Vagn Poulsen de 1937 Der strenge Stil ("El estilo severo"), el nombre se ha asociado exclusivamente con la escultura.
No existe una cronología firme para el estilo Severo, la datación de la escultura de principios del siglo V a. C. es aproximada y, en consecuencia, se ha conjeturado que su primera aparición fue en algún momento entre 525 y 480 a. C. [2] La única excepción a esta regla general de incertidumbre es el grupo Tyrannicide ; un reemplazo del bronce creado por Antenor en 514 para conmemorar a los asesinos del tirano Hiparco fue esculpido por Kritios y Nesiotes y fechado en una inscripción de 477/6 a. Esta pieza, ahora conocida solo por copias romanas [3]conserva las poses y los rasgos faciales familiares del arte arcaico y lo combina con un tratamiento novedoso de múltiples puntos de vista, sensación de masa y observación anatómica que la distingue como una de varias obras de transición atenienses. Otro es el niño Kritian , c. 480 a. C., [4] cuya distribución del peso en una pierna, cadera derecha baja e inclinación de la cabeza y los hombros supera las fórmulas del kouroi arcaico tardío marca un paso hacia el mayor naturalismo e individualización del clásico, como dice BS Ridgway. : ya no es un tipo sino un sujeto.
Las depredaciones de la guerra y las leyes suntuarias de Solon aseguraron que se practicara muy poca escultura en Atenas en la primera mitad del siglo V, en cambio, tenemos que mirar a otras ciudades para rastrear el desarrollo del estilo Severo. Podemos observar las características generales del período en su mayor obra maestra, el Templo de Zeus , Olimpia, atribuido al Maestro de Olimpia. Aquí encontramos una sencillez de formas, especialmente en el vestir y la ausencia de decoración, una sensación de pesadez tanto en la gravedad del cuerpo como en la tela "pastosa" de los peplos . De hecho, esta era ve un cambio del uso del quitón dórico al peplo jónico.cuyos agrupamientos y pliegues irregulares expresan mejor los contornos del cuerpo subyacente. También podemos presenciar en los frontones del templo el ligero mohín típico de esta época donde el labio superior sobresale un poco sobre el inferior y un volumen a los párpados, un sorprendente alejamiento de la sonrisa arcaica fija del siglo VI y sugerente quizás de el patetismo melancólico también es típico del idioma. Hay una mayor experimentación con la expresión de la emoción en las metopas del templo que representan los trabajos de Heracles , un experimento que no siguió el arte clásico posterior.
Entre los artistas Severos cuyos nombres nos han llegado se encuentran los colaboradores Kritios y Nesiotes ; Pitágoras ; Calamina ; y más notablemente Myron de Eleutherae . Myron fue un practicante tardío del estilo activo en los años 450 y 440 y autor de dos esculturas identificables que han sobrevivido en copias: su Discobolus y el grupo Athena Marsyas . Ambos aparentemente originales en composición, estos trabajos capturan varias de las principales características del estilo en su sentimiento por el momento dramático, su ritmo y equilibrio de masas, y la encarnación del sentimiento a través del gesto fecundo.
lunes, 26 de septiembre de 2022
Una librería en París o Il materiale emotivo
Crítica: Il materiale emotivo
por Camillo De Marco
- Sergio Castellitto dirige una película en la que interpreta a un librero amable y excéntrico en un París de fábula que conoce a una tumultuosa Bérénice Bejo
Tras haber interpretado previamente, tanto en la televisión como en el cine, a figuras emblemáticas de la historia italiana (el Padre Pio, Don Milani, Fausto Coppi, Enzo Ferrari, Aldo Moro, el juez Rocco Chinnici o Gabriele D'Annunzio en la reciente Il cattivo poeta), Sergio Castellitto se regala a sí mismo, en su última propuesta como director, el papel de un protagonista amable pero excéntrico: un librero italiano que vive en el París moderno. Il materiale emotivo [+], que inauguró el Festival Internacional de Cine Bif&st-Bari, y que llegará a los cines italianos el 7 de octubre de la mano de 01, es un cuento de hadas basado en un guion titulado “Un drago a forma di nuvola” (“Un dragón en forma de nube”), escrito por los grandes maestros Ettore Scola y Furio Scarpelli, en colaboración con Silvia Scola. Un proyecto cinematográfico transformado en novela gráfica con la ayuda del dibujante Ivo Milazzo, que finalmente ha sido reescrito para esta película por Margaret Mazzantini, la esposa de Castellitto.
Estamos ante una versión de ensueño y caricaturesca de París, recreada en el estudio Teatro 5 de Cinecittà, como hacía Fellini. Se trata del hogar de Vincenzo, un librero romántico de mediana edad, a quien un inmigrante-napolitano (el rapero Clementino) le sirve el café a diario. A Vincenzo no le importa el dinero, e incluso deja que sus clientes le roben libros. Vive encima de la tienda con su hija Albertine (Matilda De Angelis), una joven en silla de ruedas a causa de un accidente en una piscina. Albertine ha decidido no hablar (lleva una camiseta que pone “Lo siento, no tengo palabras”), mientras que su entregado padre le lee libros para animarla. Obras como El barón rampante de Calvino, donde el noble Cosme se niega a bajar del árbol al que se ha subido, o el Don Quijote de Cervantes: “Mire, no sea perezoso, sino levántese desa cama, y vámonos al campo, quizá tras de alguna mata hallaremos a la señora doña Dulcinea desencantada…”.
En un principio, Vincenzo parece desencantado cuando su bella y conmocionada vecina, Yolande (Bérénice Bejo), irrumpe en su librería. La mujer ha perdido a su perro y trabaja como actriz en una obra que ensayan en un teatro cercano. De hecho, ha pasado de ser una simple transeúnte a interpretar a la protagonista. Yolande no sabe nada de literatura, y Vincenzo le presta algunos de sus preciados libros para leerlos de una sentada: La espuma de los días, de Boris Vian (en la que el joven Colin, un rico y aburrido parisino, experimenta el amor a primera vista cuando conoce a la bella Chloé) o el breve pero meditativo Los treinta y tres nombres de Dios, de Marguerite Yourcenar.
Muy pronto, el “material emocional” (al que hace referencia el título italiano de la película) prevalece sobre el desencanto, que finalmente se transforma en encanto. En resumen, nunca le propongas matrimonio a una parisina excéntrica por la noche con la torre Eiffel de fondo (aunque esta sea de cartón). Los corazones se abren de par en par y los sentimientos fluyen rápidos y densos, al igual que las citas, que resultan inevitables cuando decides ambientar una película en una librería, aunque es importante no pasarse. Mazzantini incorpora unas cuantas, desde la repetida "solo los aburridos son tomados en serio, y yo vivo con miedo a que no se me malinterprete" de Oscar Wilde, hasta el dilema del erizo de Schopenhauer, ofreciendo perlas de sabiduría frente a la cultura actual, aniquilada por la tecnología digital: “La literatura nos hace eternos, la modernidad nos hace débiles”.
Il materiale emotivo es un cuento de hadas teatral (el concepto se vuelve explícito con el telón rojo en la penúltima escena), y todos sabemos que la vida es como una obra de teatro, por citar a Charlie Chaplin, William Shakespeare, Lucio Anneo Séneca y muchos otros. La hermosa banda sonora de piano, compuesta por Arturo Annecchino, desaparece en los momentos clave para dar paso a la clásica canción pop norteamericana, que siempre parece tener prioridad.
La película es una producción de Rodeo Drive junto con RAI Cinema, Mon Voisin Productions y Tikkun Productions. True Colours se encarga de las ventas internacionales.
11 veces que escuchaste a Beethoven y tal vez no lo sabías
11 veces que escuchaste a Beethoven y tal vez no lo sabías
En 56 años de vida, Beethoven desarrolló una obra de tal perfección e innovación que le valió la consideración de todo el mundo y en todo momento. Nunca nadie discutió la genialidad del músico. Aunque a menudo se cae en una idealización de su figura como el arquetipo de genio según los estándares del Romanticismo (solitario, perturbado, incomprendido, talentoso de nacimiento), el carácter de sus composiciones es innegable.
Destacado principalmente por sus sonatas para piano y sus sinfonías, Beethoven dio con una obra que los expertos dividen en tres etapas:
El período clásico (hasta 1802): Se notan las influencias del clacisismo de Mozart y Haydn. Se destacan sus primeras dos sinfonías y la Sonata Patética No. 8 en Do Menor Op. 13 (recordar este dato)
El período heroico (de 1802 a 1814): Acá Beethoven flashea grandilocuencia. Después de su crisis personal y su incipiente sordera, se entrega a las grandes formas. Compone, entre otras cosas, desde la Sinfonía No. 3 (conocida como «La Heroica», de hecho) hasta la Sinfonía No. 8; también Fidelio, su única ópera, y sonatas de todo tipo («La Apasionada» es la más conocida de esta época).
El período tardío (de 1814 a su muerte en 1827): Ya completamente sordo (se dice que le cortó las patas al piano para componer acostado en el piso y así sentir las vibraciones de las notas en su cuerpo), Beethoven va al pasado para mirar al futuro como nadie en su época. Del estudio de los barrocos Bach y Handel, toma las fugas para componer obras bien majestuosas: la Misa Solemnis, la Gran Fuga y la Sinfonía No. 9, que agrega un coro en el último movimiento (el ahora conocido como «Himno a la alegría»), toda una novedad en ese momento.
Fue tal la genialidad de Beethoven y lo icónico de su figura que la cultura pop no dudó en apropiarse de él, a veces de manera testimonial (¡la película del perro!) y otras de formas más reflexivas. La música del Chavo, una escena de Los simuladores, a una canción de Kiss y el tamaño del CD: aquí van ejemplos de citas a la música de Beethoven que tal vez desconocías.
El Chavo – Marcha Turca
Beethoven escribió la «Marcha Turca» como obertura para una obra llamada «Las ruinas de Atenas» en 1811. Más de un siglo y medio después (en 1970, para ser exactos), el músico electrónico Jean-jacques Perrey la reversionó con moogs y la tituló “The Elephant Never Forgets”. Esa versión es la que se convirtió en la música de apertura de El chavo del 8. Acúsalo con tu mamá, Ludwig.
Leo García – «Himno a la alegría»
El puente que mete Leo García en «Reírme más» es a todas luces reconocible, pero bien vale para hablar de la que posiblemente sea la melodía más popular en la historia de la música occidental. Posta, si no escuchaste nunca el «Himno a la alegría» hay muchas chances de que seas extraterrestre. Beethoven introdujo esa oda como parte del último movimiento de su Sinfonía No. 9, y sus orígenes pueden rastrearse en una composición propia de 1796 sobre un poema a un amor no correspondido y también en el ofertorio Missericordias de Domini k. 222 de Mozart. O sea que sí, el «Himno a la alegría» tiene su ADN un corazón roto y un sacrificio. Tranqui.
Otro dato sobre la relevancia histórica de la Novena Sinfonía de Beethoven (llamada también la «Sinfonía Coral» por el temita ese de tener un coro, cosa que no tenían las sinfonías hasta entonces): a ella le debemos el tamaño y duración de los CDs. Sí, cuando hacia a fines de los 70 se trabajaba en los primeros discos compactos, estos tenían un diámetro de 11,5 cm y soportaban hasta 60 minutos de música grabada. Norio Ohga, presidente de Sony (la compañía que junto a Philips desarrolló el formato) se dio cuenta de que con ese tamaño no entraría la Novena Sinfonía de Beethoven, que en sus versiones más rápidas (y por lo tanto de menor duración) superaba siempre los 63 minutos. Como una de las versiones más populares hasta la época, y una de las más extensas, duraba 74:33, se agrandó el diámetro del CD hasta los 12 centímetros con los que los conocemos en la actualidad.
Kiss – La Sonata Patética (2do movimiento)
En 1976, Kiss sacó el gran disco de su carrera: Destroyer. Con ayuda de Bob Ezrin en producción, el cuarteto pulió todos los aspectos de su música para la consagración definitiva. «Great Expectations» no es de los más conocidos, es cierto (difícil competir con «Detroit Rock City», «Shout It Out Loud» o «Beth»), pero introduce un homenaje a Beethoven. ¿Cómo? Ezrin tomó un fragmento de la «Sonata Patética» (por eso había que recordar el dato) y lo utilizó para construir el tema que cierra el lado A del álbum de los maquillados.
El segundo movimiento de la Séptima Sinfonía está tan bueno que a Beethoven se lo pedían en los bises. Lo que no imaginó era que cerca de 200 años después iba musicalizar un capítulo de Los simuladores. En la escena del capítulo «El anillo de Salomón» que ves acá arriba lo que suena es ese movimiento, el Allegretto, en el que las distintas secciones de la orquesta se van pasando las dos melodías que se entretejen en contrapunto (hay otra referencia a Beethoven en ese episodio, paciencia). El mismo movimiento suena también en una escena de X-Men: Apocalipsis.
Otro lugar donde tal vez lo escuchaste: antes de hacer el riff más popular desde que existe la guitarra eléctrica, los Deep Purple flasheaban psicodelia, rock progresivo y música clásica. Jon Lord desde los teclados comandaba las cosas hacia fines de los 60 (después se haría cargo Blackmore y el cuento sería otro) y los llevaba por el camino de la majestuosidad. En The Book of Tailesyn (su segundo disco, editado en 1968) se metieron «We Can Work It Out» de The Beatles, lo deformaron todo y le agregaron una intro épica que titularon «Exposition» (dato: «Exposición» se le llama a la primera parte de la forma sonata en la que se expone la melodía principal) y le metieron fragmentos de música de Tchaikovsky y Beethoven. De este último eligieron el segundo movimiento de la Sinfonía No. 7.
The Beatles – «Sonata Claro de Luna»
Los Beatles alguna vez versionaron «Roll Over Beethoven» de Chuck Berry, sí, pero ahí no suena Beethoven (sí suena en la relectura de la Electric Light Orchestra, #dato). Lennon y McCartney citaron al gran compositor alemán en «Because», el tema de Abbey Road. El arpegio de la introducción, tocado por George Martin, viene de la famosísima «Sonata Claro de Luna», de Beethoven. El nombre original de la pieza es mucho menos poético (Sonata para Piano No. 14 Quasi una fantasia), pero en el siglo XIX un crítico limó que ese arpegio sonaba «como el reflejo de la luna brillando sobre el Lago de Lucerna» y de ahí salió el nombre con el que se la conoce ahora.
Enseguida lo atenderemos
En la era de los ringtones monofónicos y previo a que los contestadores pudieran hacer sonar música en calidad mp3 (como mínimo), este era el hit que sonaba cuando desde Atención al Cliente te ponían en espera. También era muy de alarma de comercio. «Para Elisa» es un clásico para cualquier aprendiz de piano, incluso para Mario Santos y Pablito Lescano. En términos musicales se trata de una bagatela en forma de rondó (A-B-A-C-A-D-A).
El manuscrito, ahora perdido, fue descubierto por el escritor y estudiante de música Ludwig Nohl en 1867 (40 años después de la muerte de Beethoven). Se estipula que fue compuesta en abril de 1810 y su nombre técnico es Bagatella No. 25 en La menor, el «Für Elise» («Para Elisa») proviene de la dedicatoria que incluía. ¿Quién era Elisa? Bueno, hay tres teorías. Una dice que en realidad no era Elise sino Therese (Malfatti) una amiga y alumna de Beethoven a quien él le propuso casamiento en 1810… pero ella no aceptó. La segunda dice que la destinaria era Elisabeth Röckel, una soprano que cantó en una de las puestas en escena de Fidelio (la ópera de Beethoven) y con quien el músico también habría querido casarse, sin éxito otra vez. La tercera y última teoría plantea la posibilidad de que haya sido escrita para Elise Barensfeld, una niña prodigio (alumna de Salieri) a quien Beethoven le habría compuesto la pieza para que estudiara piano.
https://estacionk2.com/11-veces-que-escuchaste-a-beethoven-y-tal-vez-no-lo-sabias/
domingo, 25 de septiembre de 2022
Mira tres 'anti-películas' de Andy Warhol: 'Dormir', 'Comer' y 'Besar'
“Siempre dicen que el tiempo cambia las cosas, pero en realidad tienes que cambiarlas tú mismo”. -Andy Warhol
Andy Warhol es mundialmente famoso por sus logros artísticos en el medio de la pintura, pero en la década de 1960 se tomó un descanso de su papel como pintor y se centró en otros medios para su talento creativo. Warhol dirigió la entonces prometedora banda, The Velvet Underground , e incluso se convirtió en su productor.
Sin embargo, la mayor parte de su atención creativa se dedicó al cine durante este período. Entre 1964 y 1966, Warhol filmó una asombrosa cantidad de cortometrajes, cerca de 500, de sus amigos famosos y modelos, llamándolos "pruebas de pantalla".
Después de filmar estas piezas cortas, Andy Warhol pasó a obras más largas que desafiaron las convenciones del cine. La marca de cualquier gran artista es su curiosidad y ese es ciertamente el caso de Warhol. Aunque era un medio relativamente desconocido para él, inmediatamente encontró formas de redefinir lo que realmente significa una obra de cine. Llamó a estas piezas más largas “anti-películas” porque, fiel a su nombre, subvirtieron y frustraron las expectativas voyeuristas de la audiencia. Su misma existencia se sentía como un acto de desafío.
A continuación, desglosamos los tres proyectos que solidificaron el papel de Warhol en el cine.
Andy Warhol - Sueño (1963)
Para la primera “anti-película”, Sleep (1963), Warhol quería presentar a la famosa Brigitte Bardot . Sin embargo, siguió adelante con su idea para la película con su amigo John Giorno como protagonista.
El título de la película no deja a los espectadores adivinando porque ofrece exactamente lo que promete, cinco horas de Giorno durmiendo. Tal vez no sea exactamente un cine convincente, pero ciertamente llama nuestra atención sobre las superficialidades del medio que mantiene a la audiencia comprometida.
Andy Warhol - Beso (1963)
La siguiente incorporación a la trilogía, si se le puede llamar así, es Kiss (1963).
El metraje de 54 minutos es una colección de obras más cortas que presenta parejas besándose, que representan parejas heteronormativas y homosexuales. Desafió la sensibilidad de la audiencia de esa época al afirmar que las parejas del mismo sexo eran iguales.
Kiss es una parte importante de la narrativa del orgullo gay porque es producto de la visión política y estética de uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos, Andy Warhol.
Andy Warhol - Comer (1964)
La "anti-película" final se llamó Eat (1964), que presentaba a un artista pop hambriento, Robert Indiana, masticando nada más que un hongo crudo durante 40 minutos.
Warhol ciertamente supo poner el “anti” en su “anticine”. Las obras de Warhol son una evaluación fascinante del medio cinematográfico, realizada por uno de los artistas más ferozmente talentosos.